CONCIERTO DIDÁCTICO “PIERROT LUNAIRE - UN CLÁSICO MODERNO”
Introducción a las estéticas y lenguajes musicales de principios del Siglo XX a partir de Pierrot Lunaire de Arnold Schönberg
TaCoS – COSCYL
Taller de música contemporánea del Conservatorio Superior de Castilla y León
Ensemble de TaCoS

Alberto Rosado, presentador
Javier Castro, director

Auditorio del COSCYL - Calle Lazarillo de Tormes, 54-70
Funciones pedagógica para alumnos de instituto de 12 a 16 años
Lunes 26 de marzo de 2018 – dos pases: 10:30h y 12:00h
Tiempo de actuación: 1 hora

El espectáculo tendrá un coste de 3€ por alumno y hay un máximo de localidades para ocupar de 360 en cada función. Si están interesados, no duden en ponerse en contacto con nosotros cuanto antes para formalizar la reserva de plazas.
[Alberto Rosado: rosadoalberto@hotmail.com]


1. INTRODUCCIÓN

El Taller de Música Contemporánea (TaCoS) del Conservatorio Superior de Música de Castilla y León organiza todos los años un concierto pedagógico en el que presenta en directo, tanto a familias como a un público escolar, diferentes instrumentos musicales introduciendo a la vez a los espectadores de una manera amena en los lenguajes y técnicas musicales que se han ido desarrollando durante el siglo XX. Durante los últimos años se han presentado variados espectáculos como “Piccolo, Saxo y Cía” (2017), “El gato con Botas” (2016), “El músico-mágico” (2015), “La historia de un soldado” (2014), “Pedro y el lobo”, (2013) o el “Sastrecillo Valiente” (2011), entre otros.

La obra del próximo concierto pedagógico del taller, titulado “Pierrot Lunaire – un clásico moderno”, pretende conseguir que los alumnos puedan aproximarse de una manera distendida y amena a la música de la Escuela de Viena y al atonalismo.

2. PLANTEAMIENTO DEL CONCIERTO

La música expresionista, con el atonalismo y el dodecafonismo como forma de organizar los sonidos, planteó desde sus comienzos problemas de comprensión para gran parte del público que intentó acercarse a ella y ha generado un rechazo histórico tanto en audiencias como en algunos profesionales de la música.

Sin embargo, esta música contiene una gran riqueza expresiva y está profundamente enraizada en la tradición de los grandes compositores germanos (Bach, Beethoven, Brahms), conocidos y venerados por Arnold Schönberg y el grupo de compositores de la Segunda Escuela de Viena.

En nuestro concierto didáctico presentaremos de una manera clara estos recursos expresivos en la música del Pierrot Lunaire e ilustraremos con ejemplos musicales cómo se relaciona con obras muy populares del repertorio anterior y su influencia en el repertorio más actual.

También explicaremos las técnicas que desarrollaron los compositores para extraer nuevas sonoridades de instrumentos como el piano, el violín, el violonchelo, la flauta y el clarinete y explicaremos el novedoso uso de la voz humana con el que esta obra abrió un campo nuevo de posibilidades expresivas.

3.EXPRESIONISMO MUSICAL

La corriente estética denominada Expresionismo surge a principios del siglo XX en Europa y abarca las artes plásticas, la literatura, el cine y la música. Sus máximos exponentes son pintores como Eduard Munch, Egon Schiele, Oskar Kokoschka y E.L.Kirchner, y en el terreno de la música los tres compositores que formaron la Segunda Escuela de Viena: Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton Webern.

El expresionismo mira hacia el interior del sujeto intentando capturar los recovecos del inconsciente (en este sentido se vincula al Romanticismo, de hecho Schönberg se consideraba de alguna forma el heredero y continuador de la corriente romántica). El tema del expresionismo es el hombre tal como lo describe la psicología de comienzos del siglo XX: aislado, con su interioridad en un conflicto constante y arrastrado por todas las pulsiones irracionales del inconsciente.

En el plano musical, partirá del lenguaje armónico enunciado por Wagner en su “Tristán e Isolda” y continuado por Richard Strauss y Gustav Mahler. Las formas musicales cada vez serán menos definidas y se tenderá a componer con formas líricas breves. Se utiliza la disonancia para producir una sensación permanente de tensión no resuelta y las melodías incluyen saltos amplios ajenos a la lógica de la armonía tonal anterior. En las partes instrumentales se exploran los registros más extremos de cada instrumento y, en general, se evita cualquier tipo de referencia a una tónica en la mente del oyente.

4.ARNOLD SCHÖNBERG Y LA MÚSICA ATONAL

Arnold Schönberg (Viena 1874 - Los Ángeles 1951) es uno de los más importantes e influyentes autores de la historia de la música y con sus composiciones y trabajos teóricos abrió nuevos caminos y medios de expresión que fueron decisivos para la evolución del lenguaje musical durante el siglo XX.

Con sus obras emancipó las disonancias y eliminó el concepto de tonalidad, que había sido la base de la composición musical durante los últimos siglos. Abordó esta empresa desde un profundo respeto y conocimiento de la música anterior a él y siempre mostrando una gran admiración por los grandes compositores que lo precedieron.

Su obra Pierrot Lunaire (1912) tuvo una importancia decisiva en la búsqueda de nuevos lenguajes musicales. En el año 1928 compuso su primera obra basándose en la técnica dodecafónica creada por él, en la que las doce notas de la escala tenían exactamente la misma importancia y no estaban supeditadas a un centro tonal. Fue un reclamado profesor y también escribió importantes libros teóricos (Tratado de armonía, Funciones estructurales de la armonía, Fundamentos de la composición musical). En 1933 emigró a Estados Unidos, donde se dedicó principalmente a la docencia.

5.PIERROT LUNAIRE

Pierrot es uno de los personajes de la commedia dell’arte italiana, que se desarrolló durante los siglos XIV y XV y cuyos personajes, Arlequín, Colombina, Il Dottore, Scaramouche... han influido desde entonces y hasta nuestros días en el mundo del arte. Durante finales del siglo XIX muchos poetas usaron elementos y personajes de esta commedia en sus nuevas creaciones.

El poeta belga André Giroud creó en 1884 una colección de cincuenta poemas llamada Pierrot Lunaire, en la que con un lenguaje próximo al surrealismo el personaje de Pierrot se enamora de la luna y evoca a Colombina. La obra tuvo gran éxito y en Alemania se hizo muy popular a través una traducción de Otto Erich Hartleben. Cuando la cantante y actriz Albertine Zehme encargó a Schönberg en 1912 una obra vocal basada en la traducción al alemán de los poemas, el compositor reconoció inmediatamente las posibilidades expresivas del texto, que se adecuaba perfectamente a su estética musical y a su búsqueda de nuevos medios de expresión. Eligió 21 de los 50 poemas y completó el encargo en apenas tres meses de intenso trabajo.

6. EL “SPRECHGESANG”

El sprechgesang, literamente “canto hablado”, es una técnica vocal que desarrolló Arnold Schönberg para su Pierrot Lunaire, en la cual las notas de la parte vocal están pensadas no para ser cantadas, sino para ser declamadas, con un tipo de voz que se acerque más al habla que al canto, pero en la cual el ritmo y las alturas relativas de la voz están indicadas y tienen que ser respetadas por el intérprete.

Esta técnica deriva del melodrama, que era la superposición de voz hablada y música, y que ya había sido utilizada por algunos compositores clásicos como Beethoven o Weber en pequeños fragmentos del algunas de sus óperas. Sin embargo, fue Schönberg con Pierrot Lunaire el que compuso una gran obra musical basada íntegramente en esta manera de utilizar la voz, que genera una nueva dificultad técnica para la intérprete.

Hay varias citas del propio compositor intentando aclarar cómo es la manera exacta de interpretar este tipo de canto, algunas algo contradictorias entre sí. Otros compositores de su escuela, y el mismo Schönberg, siguieron utilizando este recurso de la voz en varias de sus obras.

En muchas partes del mundo hay formas musicales tradicionales semihabladas. Algunos ejemplos serían el Reggae de Jamaica, el Chajmí è Rispondi en Córcega o los Bertsolaris del País Vasco.

7. EL ENSEMBLE

Hasta principios del siglo XX, los géneros predominantes de la música eran la música de cámara, la de solista con o sin orquesta, la música orquestal, y la música vocal.

Las agrupaciones de cámara más utilizadas eran el cuarteto de cuerda, y los dúos o tríos con piano. Las agrupaciones más grandes solían agrupar instrumentos de cuerda o de viento entre sí con o sin piano, por ejemplo el quinteto de cuerda con piano, quinteto de viento.

Schönberg utilizó para un grupo de cámara relativamente pequeño de seis músicos cuatro familias diferentes: la voz, el piano, la cuerda (violín y violoncello) y el viento-madera (flauta y clarinete). Además, prescribió que los músicos tuvieran que cambiar de instrumento durante las diferentes piezas (violín-viola, flauta-flautín, clarinete-clarinete-bajo). Esta nueva manera de plantear la instrumentación influyó enormemente en los compositores posteriores, que escribieron muchas de sus obras más importantes para lo que conocemos hoy como Ensemble instrumental, y que podemos definir como un grupo de cámara de tamaño variable, con instrumentos de diferentes familias orquestales y con un instrumentista de cada instrumento.

En la actualidad existen muchos grupos de este tipo especializados en la interpretación de música contemporánea y del siglo XX.

8.TaCoS. INTÉRPRETES DEL CONCIERTO

El Taller de Música Contemporánea del Conservatorio Superior de Música de Castilla y León se encuadra dentro de los grandes proyectos del Conservatorio. Tiene la doble función de formar a los alumnos intérpretes en las técnicas y estilos de la música contemporánea y del siglo XX, y de facilitar a los alumnos compositores el contacto directo con instrumentistas y un marco en el que poder trabajar y dar a conocer sus propias composiciones.

El taller se ha presentado en diferentes auditorios de España, e invita regularmente a compositores, profesores y directores a trabajar nuevos repertorios con los alumnos, complementando y enriqueciendo el trabajo que semanalmente realizan los profesores del centro.

Para este proyecto, el Taller contará con la participación de los siguientes músicos:

Manuela del Caño, voz.
Esther Dorado, flauta y flautín.
Daniel Martín, clarinete y clarinete bajo.
Almudena González-Regueral, violín y viola.
Rosalía Herrera, violonchelo. Julia Cabrera, piano.

Javier Castro, profesor y director del ensemble.

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